David Antonides

Anlässlich des 500. Reformationsjubiläums schuf der kanadische Künstler David Antonides eine Glasserie, die sich unter anderem mit Martin Luther als Übersetzer und Autor von Fabeln beschäftigt und die reformatorischen Ideen Luthers visualisiert. Der Apfelgarten ist im Jahr 2017 der Open Air Ausstellungsraum für 6 Glasskulpturen geworden, die der Künstler in Anlehnung an das Luther zugeschriebene Zitat "..und wenn die Welt morgen unterging, so würde ich ein Apfelbäumchen pflanzen" in die Natur setzte. Das Material Glas im Zusammenspiel mit landwirtschaftlichen Objekten aus Eisen schafft im überraschenden Kontext des Gartens und im Sonnenlicht Effekte, die die Kunstwerke aus diesem Umfeld herausstechen lassen, dennoch scheinen sie sich organisch in den Garten einzufügen. Das Glas scheint seine Materialität zu verändern, es scheint im Wind zu flattern und wie Eis zu glitzern. Der gierige Hund, der sich durch das Spiegelbild des Wassers täuschen lässt - die eitle Dohle, die ein Pfau sein möchte - die schlaue Krähe, die Kiesel ins Wasser wirft, um trinken zu können - der Ochse, der denkt er könnte sich verwandeln, indem er sich ein Schaffell überwirft - der zornige Hammer mit dem Luther die päpstlichen Verdikte zerschmettert und die Freiheit und Leichtigkeit der reformatorischen Gedanken sind die Themen, die Antonides in diesen Arbeiten thematisiert. 2017 ergründet dieses Skulpturenprojekt den Raum des Apfelgartens, in den kommenden Jahren sind als weitere öffentliche Räume Eisenach und die Wartburg als Orte der Reflexion über Luther geplant.

Im Jahr 2011 erhielt der kanadische Künstler David Antonides von der False Creek Harbour Authority in Vancouver den Auftrag, über einen Zeitpunkt von 9 Tagen im öffentlich zugänglichen Raum des Fischerhafens ein experimentelles Watercolor-Projekt durchzuführen. Die großformatige Papierarbeit "Traverse", die in einem scheinbar vollendeten Zustand, im Fischerhafen aufgestellt wird, ändert, den Gezeiten und dem für Vancouver so typischen Regen ausgesetzt, ihre ursprüngliche Beschaffenheit. "Traverse" befindet sich Tag und Nacht im Regen und die wasserlöslichen Pigmente zerfließen, das Motiv löst sich auf. Das Papier kann den Kräften des Windes nicht standhalten, es reißt und bricht. All diese Vorgänge verfolgen die im Hafen arbeitenden Fischer sowie die Anwohner des innerstädtischen Vancouver Viertels. Die Wahrnehmung von Kunst in diesem Kontext scheint die Menschen zu verstören, aber auch zu begeistern. Der Künstler David Antonides sieht sich innerhalb dieses Projektes nicht nur als Maler, sondern als Protagonist in einem sozialen Raum, der temporär die Community und die Natur in die Kunst integriert. Der Filmemacher Frank Lee begleitete den Künstler bei seiner Arbeit im öffentlichen Raum und dokumentiert die Reaktionen der Menschen in einem 17minütigen Film, den er 2013 vollendete. Nicht zuletzt schafft es Frank Lee die Schönheit von "Traverse" in diesem ungewöhnlichen Kontext herauszustreichen und damit der Kunst eine Bedeutung innerhalb der alltäglichen Vorgänge einer Großstadt zu geben.

Im Rahmen dieses Kunstprojektes wurde die öffentlich zugängliche Eingangshalle des Büroturms Tower49 in Manhattan für den Zeitraum eines Jahres zu einem Ort, der durch die großformatigen mit wasserlöslichen Pigmenten gemalten Arbeiten David Antonides', die Geschichte und das urbane Umfeld dieses 1985 gebauten Wolkenkratzers reflektiert. Die japanische Kato International LLC als Eigentümer des Tower49 versteht den gigantischen von außen einsehbaren öffentlichen Raum als Display für zeitgenössische Kunst. 2009 wurde David Antonides für die jährlich wechselnde Raumgestaltung gewonnen. Insgesamt 11 Arbeiten auf Papier im Format 250x350cm wurden an den 10 Meter hohen Wänden des Eingangsbereichs installiert. Sie zeigen verschiedene Ausblicke vom Dach des 187m hohen Gebäudes sowie Straßenansichten von diesem. Ein weiteres Motiv zeigt den Tower49 vom Rockefeller Center. In der engen Zusammenarbeit mit dem verantwortlichen Gebäudeverwalter und seinen Geschichten zu dem Turm entstand ein Konzept, was den Nutzern der Büros in diesem Gebäude auf künstlerische Weise ihr Arbeitsumfeld näher bringen sollte. Der expressionistische Stil und seine ins Abstrakte gleitende Darstellung der Ansichten des Gebäudes wurde von den Nutzern der Büros als eine dynamisierende Intervention in der sehr reduzieren und formalen Architektur des Tower49 wahrgenommen. Für den Künstler David Antonides stellte dieses Kunstprojekt eine Bestätigung seiner Mal- und Repräsentationstechnik dar, da es der Öffentlichkeit Wasserfarbgemälde als geeignetes Medium für großformatige Arbeiten mit Farbtiefe vorstellte.

Der Zauber von Glas ist seit Jahrtausenden bekannt und unzählige Objekte haben einen festen Platz in unser aller Alltag. In der zeitgenössischen Kunst konnte das Material Glas seit den 1960er Jahren in Form des Studioglases jedoch endlich einen Platz finden, der es vom rein Dekorativen oder Nützlichen loslöst und seiner Schönheit und seiner vielfältigen Ausdrucks- und Gestaltungsformen gerecht wird. Die Faszination des Werkstoffes Glas hat der kanadische Künstler David Antonides bereits vor einigen Jahren für sich entdeckt. Neben der Arbeit mit den verschiedenen Techniken der Druckgrafik und neben der Malerei mit wasserlöslichen Pigmenten auf Baumwollpapier führte ihn seine künstlerische Suche vermehrt ins Skulpturale. Der Wunsch seine expressiven Pinselstriche vom großformatigen Papier auf das lichtdurchlässige und reflektierend Material Glas und damit ins Dreidimensionale zu übertragen, führte ihn über die gewählten Inhalte an die noch recht neue Technik des “free-air Slumpings”, die sich im besonderen Maße zur Gestaltung ausdrucksstarker Formen eignet. Das anorganische Schmelzprodukt Glas kann wie kein anderes Material in seiner fließenden Bewegung gestoppt werden, und so erzeugt David Antonides Momente erstarrter Dynamik, vergleichbar mit den Szenerien, die er für seine expressiven Stadtlandschaften wählt.

Die Projektidee für eine Glasskulptur, die im öffentlichen Raum einen Platz finden wird, lässt die Symbolik von “Hammer und Amboss” materialisieren. Diese beiden Metallobjekte werden in industriell gefertigten Glaspellets verschmolzen. Das Schmieden als Handwerk, bei dem diese Werkzeuge verwendet werden, ist ein Sinnbild willensstarker und geduldiger Gestaltungskraft. Die Kraft und Energie des Schmieds gepaart mit künstlerischem Schöpfungswillen hat Vorbildfunktion für David Antonides als zeitgenössischen Bildenden Künstler und die Thematik hat so Eingang in sein Werk gefunden. Die antike Mythologie spricht von der Erschaffung des Universums durch den Gott Hephaistos, welche an einem Amboss stattgefunden hat. Das Bild des, mit dem Hammer vereinten, Amboss symbolisiert die gestaltenden Kräfte der Natur. Dabei übernimmt der Amboss den weiblichen Part, steht also für die Erde und Materie und der Hammer bringt das männlichen Element ein und demonstriert Macht, aber auch Kreativität der Gottheit. Umflossen von Glas, das wie Wasser um die Objekte zu spritzen scheint, sind “Hammer und Amboss” in David Antonides künstlerischer Interpretation des Themas ein Sinnbild für harmonisches und produktives Zusammenleben in einer modernen Gesellschaft. Die Schmiede, wie auch das Atelier des Künstlers, kann in diesem Sinne als Ort der Wandlung und Verwandlung verstanden werden. Die wachsende und sich wandelnde Stadt Wertheim, liegt im Zufluss der Tauber und des Mains, direkt am lebensspendenden Element, das das kleine Wertheim mit den Metropolen verbindet und seit jeher so den Handel beeinflußte. Die vielschichtige Skulptur von David Antonides besticht durch die Magie des Material Glas, welches durch die Verschmelzung mit den rohen Werkzeugen einen Gegensatz schafft, der die Symbolkraft der künstlerischen Aussage vermittelt. Es entsteht ein ästhetisches Gebilde, das zahlreiche Denkanstösse liefern kann und die Einzigartigkeit der Stadt Wertheim unterstreicht. Der Sockel der Arbeit wird eine solche Höhe haben, dass der Eindruck von Schwerelosigkeit entsteht, der im Gegensatz zu dem Gewicht der Metallobjekt steht. Außerdem sollten die Betrachter nicht in Versuchung kommen, das Objekt zu berühren. Auf diese Weise kann das Risiko an Beschädigungen an der Arbeit sowie die Verletzungsgefahr deutlich reduziert werden. Idealerweise ist es unterhalb einer Treppe lokalisiert, sodass es von oben gut gesehen werden kann. Der Sockel ist aus Buntsandstein gefertigt. Dieses Material wird in der Gegend seit Jahrhunderten als Baumaterial genutzt. Er stellt einen Übergang zwischen der mittelalterlichen Stadt und der zeitgenössischen Skulptur her, somit ist die Idee der Kontinuität von Handwerk und Material auch in diesem Aspekt vertreten.

"Wort-Welt" Humboldt Forum im Berliner Schloss Treppenhäuser 1 und 5 Kunst-am-Bau-Wettbewerbsbeitrag I. Inhaltliche Beschreibung Der Wettbewerbsbeitrag "Wort-Welt" als künstlerische Intervention für die Treppenhäuser der Portale 1 und 5 thematisiert die, für ihre Zeit so umwälzenden neuen Ansichtsweisen der Humboldt-Brüder. Die Herangehensweise des Künstlers bei seiner Arbeit "Wort-Welt" ist assoziativ und kreativ, bezieht aber auch historische Dokumente mit ein. Beim Besuch des Humboldt Forums im Berliner Schloss, vor allem bei der Passage durch den öffentlich zugänglichen Schlüterhof, wird der Besucher mit der elementaren Form des Kreises, in diesem Fall mit zwei überdimensionalen Ringen, konfrontiert. Diese Ringe hängen hochkant von den Decken der beiden Treppenhäuser und können von außen vor allem durch das zentrale, große Fenster gesehen werden, aber Teile der Ringe sieht man ebenfalls durch die kleineren Seitenfenster der Treppenhäuser. Da die Ringe aus einzelnen von innen beleuchteten Elementen bestehen, lassen sie sich auch nach Öffnungszeit des Humboldt Forums z.B. beim abendlichen Flanieren oder während Veranstaltungen betrachten. Sie bilden eine diskrete Verbindung zwischen den Skulpturen der Fassade, die sich rechts und links des riesigen Fensters am Portal befinden und stellen eine farbige Lichtintervention dar, die die Architektur unaufdringlich "bekränzt". Diese leuchtenden Ringe sind auch innen ein räumlich übergreifendes Element, das gleichzeitig eine Verbindung und Spannung zwischen der zeitgenössischen und farblich neutralen Architektur des Treppenhauses und der archaischen Form des Kreises und der Farbigkeit der künstlerischen Arbeit schafft. Die Ringe zeigen in sich selbst einen weiteren Kontrast, nämlich in ihrer abgerundeten Form und in der Struktur der horizontalen und vertikalen Gitternetzlinien, die fast wie ein Mauerwerk angelegt sind. Diese Fugen ergeben sich zwischen den einzelnen Lichtelementen und stehen für die strukturgebenden und strukturierten wissentlichen Erkenntnisse der Humboldt-Brüder. Die Anmutung dieser Ringe kann an diesem Ort als ein Zitat des monumentalen Ährenkranzes, der am selben Ort den Palast der Republik zierte, verstanden werden. Die Leere der Ringe ohne „Hammer und Zirkel“ Emblem, unterstreicht den Neuanfang in einem Wissenschaftsforum ohne ideologisch geprägte Nutzung. Diese Ringe zeigen bei näherer Betrachtung, z.B. beim Eintreten in die Treppenhäuser eine zweidimensionale künstlerische Interpretation verschiedener Etappen und wissenschaftlicher Erkenntnisse der beiden Humboldt-Brüder. Ihre Beobachtungen der Natur und der Kulturen ordneten die Welt nach wissenschaftlichen Erkenntnissen in neue Systeme. Die Vielfalt der Arbeit der Humboldt-Brüder wird durch insgesamt 1000 von innen beleuchteten Bildelementen versinnbildlicht und anhand der ausgewählten Motive visualisiert. Die physische Beschaffenheit der in Kreisform angeordneten Lichtelemente lässt den Besucher die Systeme unserer Welten näher begreifen. Die Form des Kreises vereint in sich unterschiedliche Zyklen: z.B. der Gezeiten und der Biosysteme. Der Kreis ist aber auch Symbol in der Sprache und der Kultur, er ist ein Werkzeug der Mathematik und der Wissenschaften. Die beiden in 500 Bausteine aufgeteilten Installationen transportieren die vielfältigen der Ideen der Humboldt-Brüder durch die künstlerische Projektion über mehrere Rezeptionsebenen in unsere Zeit.