Klaus Killisch

Prof.Dr. Rieger-Jähner, Direktorin Museum Junge Kunst Frankfurt / O
Katalog "a long strange trip", 2009

Arbeiten von Klaus Killisch lernte ich 1989 in einer Ausstellung der Leipziger Galerie EIGEN ART kennen. Seither ist die Verbindung zu diesem Künstler nicht abgerissen, da seine Bilder, Blätter und Installationen mich immer wieder überraschen und die Neugier an der Auseinandersetzung mit dem Gezeigten wach zu halten verstehen.

Dieses anhaltende Interesse ist schon etwas Besonderes, scheint in der Kunstgeschichte doch nun wirklich alles in kaum noch zu übersehenden Variationsbreite gesagt. Von Killisch jedoch werde ich immer wieder eines Besseren belehrt, denn bei jedem Atelier- oder Ausstellungsbesuch muss ich erkennen, dass er etwas, zumindest für mich, Unverzichtbares und so noch nie Gesehenes dem Bisherigen hinzu zufügen hat. So verbinden sich spannende optische Sensationen bei ihm mit einem vielschichtigen Gestaltungsgehalt, wobei er auch auf mittelbare Verweise der Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts zurückgreift. Vielleicht sind es aber gerade diese eigenwilligen Dialoge unterschiedlicher temporaler Zeitebenen dieser spannenden Vergangenheit, verbunden mit den Strategien und Medien unserer Massengesellschaft in der Gegenwart, die seine Kunst so präsent im hier und heute angesiedelt erscheinen lässt.

Obwohl wir auch bei den Installationen, die Sie in dieser Präsentation sehen, veränderte Sicht- und Gestaltungsweisen des Künstlers kennen lernen können, bleibt Wesentliches von dem erhalten , was wir bereits 1987 konstatieren konnten. Um dies zu erkennen, möchte ich kurz auf zwei Werke aus unserem Besitz eingehen, die letztlich den Entstehungs- und Veränderungsprozess von einst und jetzt verdeutlichen sollen.

So gehörte der Maler bereits vor dem Zusammenbruch der DDR nicht zu denjenigen, die die Tristesse des Seienden zelebrierten, und sei sie auch noch so ästhetisch sensibel und gekonnt in Grau-, Braun- und Beige Variationen als Stilleben, Figur oder Interieur auf die Fläche gebannt. Seine Mentalität und die damit verbundene Sicht auf die Welt war und ist anders geartet. So nahm er z.B. in seinen „Raucherbildern“, von denen wir eine besonders gelungene Fassung von 1987 besitzen, das Klima und den Lebensrhythmus von Berlin in den Jahren nach 1989 vorweg und drückte so zugleich das ihm gemäße Zeitgefühl aus, das dem Leben in einer europäischen Metropole entspricht. Dekorativ einprägsame Emailleschilder der Zigarrenwerbung aus den 20iger Jahren, die für ein Massenpublikum geschaffen wurden und zum Kauf motivieren sollten, bildeten hier die Anregung für das farbintensive Bildnis eines dionysisch coolen Supermannes (1987), bei dem sich eine plakativ strenge Raumgestaltung verbunden mit einer expressiven Farbauffassung, die Balance halten sollten.

8 Jahre später entstand mit dem Bild „Schatten der Leidenschaft“ (1995), das wir 1996 erwarben, eine Arbeit, die der Beschleunigung unseres Lebensrhythmus mit ihren Möglichkeiten und Verwerfungen in eigenwilliger Weise Rechnung zu tragen verstand, was sich mit den Worten von Heinrich Klotz zusammenfassen lässt: “In dieser Stadt ist die Idylle fast unmöglich, auch weil die Menschen in einer Art nervöser Gereiztheit untereinander leben, die sie kaum zur Ruhe kommen lässt.“(1) Diese Aussage wird bei unserer großformatigen Bildcollage, in der Öl, Acryl, Kunstblumen und Neonröhren eine Symbiose miteinander eingehen, in besonderer Weise nachvollziehbar. So weiß der Künstler auch hier wieder mit traumwandlerischer Sicherheit die Balance bei der Doppelkodierung von Elitär und Populär, Alt und Neu zu halten und sie spannungsvoll miteinander zu verbinden. Aber auch Begriffe wie „Mythologisierung, Nostalgie, Punk, Ritualisierung, atmosphärische und detailgenaue Erzählfreude“(2), mit denen sich das vielgestaltige Bild der Postmoderne zusammenfassen lässt, bestimmen seine Arbeit, ebenso wie der Mythos von der Unvereinbarkeit der Geschlechter, der über Jahrhunderte hinweg in der Kunst thematisiert wurde. Doch letztlich fasziniert uns der gestalterische Dissonanzreichtum innerhalb seiner Arbeiten, der schnelle Wechsel von widerstrebenden Empfindungen, wie er durch den Kontrast von Malerei verbunden mit der schattenrisshaften Vereinfachung der Form mit ihrem gebrochenen Pathos, künstlichem Grabschmuck und dem technoid grellen Licht der Leuchtstoffröhren erzeugt wird.
Nach der Vergrößerung der Bildformate , der immer stärkeren Verdichtung des jeweiligen Grundgestus und den immer raumgreifenderen Collagierungen, die sich nicht selten mit grob gerasterten schwarz- weiß Kopien von fotografischen Bildern verbanden, war die Rauminstallation ein folgerichtiger Schritt. Dass es sich bei unserer Präsentation im Packhof um eine ehemalige mittelalterlichen Warenablage handelt, die nicht nur eine Vielzahl kleiner und relativ niedriger Räume mit zahlreichen Durchblicken besitzt, sondern zum Teil auch fachwerkbelassene Wänden hat, stellt auch für Killisch eine Herausforderung dar. Hinzu kommt, dass ich ihn bat, in diese Installation einen Auftrag unseres Museums aus dem Jahr 2007 einzufügen. Es handelt sich um 6 Malereien im Format 83x50cm, die in standardisierten leuchtkastenartigen Stahlrahmen ihren Platz gefunden haben. Die thematische Klammer der 6 Malereien lässt sich unter dem Thema „Pandora“ zusammenfassen. Mit Transparentfarbe und Serigrafie, beidseitig auf Plexiglas aufgetragen, sind die einzelnen Bilder scheinbar zusammenhanglos als Folge zusammenfügbar. Allein durch die Rasterung des Formats sowie durch die Intensität der leuchtend intensiven Farben scheinen sie in unheilvoller Weise aufeinander bezogen zu sein. Bereits der aus der griechischen Mythologie entnommene Titel weist auf das Unheil hin. So wurde die Pandora einerseits als zerstörerische Elementargewalt angesehen und anderseits zur weiblichen Urgewalt stilisiert. Zu beidem lässt sich ein Bezug zu Killischs Malereien herstellen. Darauf weisen sowohl die monströsen Haarberge auf einem nicht näher zu identifizierenden weiblichen Kopf ebenso hin wie schwarze Kreise von unterschiedlicher Größe, die die surreale Note des Bildes nach verstärken. Aber auch die gefährlich glänzenden und durch ihre Farbigkeit wiederum aberwitzig schön wirkenden Schrottteile in ihren deformierten Verkantungen stehen in spannungsvollem Gegensatz zu den ornamental psychedelischen zarten Formen aber auch Kopfumrissen und vervollständigen das brachiale und zugleich hintergründige Bild vom Chaos.

Bereits die ersten Ankäufe von 1987 bis hin zur Installation vom Januar 2009 würden den Titel unserer Präsentation „eine lange seltsame Reise“ rechtfertigen. Klaus Killisch erläutert diesen Titel und damit sein Wollen noch etwas differenzierter. Angeregt durch die Biografie der kalifornischen Rockband Grateful Dead wählte er für unsere Ausstellung in Frankfurt (Oder) den Titel: a long strange trip. So sei die Textzeile dem song ‘truckin‘ (erschienen 1970) entnommen und stehe als Metapher für ein ständiges Bewältigen und Auseinandersetzen mit Umbrüchen im eigenen Leben. Diese Musik liefe zur Zeit in seinem Atelier ständig und laut. Die LP „Anthem oft he sun“ träfe sich dabei wunderbar mit seinen Bildern. „Die Musik ist psychedelisch“, bekennt der Künstler „und in vielen Schichten collagiert. …Die Ausstellung a long strange trip variiert in den Räumen des Packhofes eine innere und äußere Reise ohne Ankunft. … In einem Raum der Ausstellung werde ich mein Atelier inszenieren…. Generell ist ein Atelier nicht nur der Produktionsort für Kunst, für die Künstler ist es auch der Ort an dem Musik gehört und gelesen wird und an dem Leute empfangen werden. Ich möchte deshalb diesen Ateliernachbau auch als Bühne für Veranstaltungen, die in Zusammenhang mit den Bildern der Ausstellung zu sehen sind, nutzen.“(3)
Doch was in den hoffentlich zahlreichen Veranstaltungen zu erwarten ist, deutet sich bereits bei unserer Installation an und wird so in der Ausstellung gleichsam vorweggenommen. Es ist das sich verzahnen bzw. dialogisch aufeinander reagieren von optischen wie akustischen und haptischen Formulierungen, die durch die Farbe, vor allem aber durch Rhythmen auf der jeweiligen Wand bzw. Bodenfläche in einem gestalterischen Sinnzusammenhang stehen. Einbezogen in diese Collagen ist eine klangintensive Malerei, die zum Teil mit schwarzen Schellackplatten, Covers oder Fotos bzw. Computerausdrucken collagiert wurde. Hinzu kommen über mehrere Wände reichende Bilder von opulenten glänzenden Haarsträhnen, die die Stärke von organoiden Rohren zu haben scheinen. stakkatohaft in verschiedenen Teilbereichen der Installationen sind unsere Glasbilder zum Thema „Pandora“ zu finden, die durch die Leuchtkraft des Lichts die jeweilige Einzelwand erneut strukturieren.

Eine komplexe Fülle von Assoziationen stellt sich beim Betrachten dieser eigenwilligen Installationen ein, aus der hierarchische Ordnungen des Abgebildeten ebenso ausgeschlossen wurden wie inhaltliche Festlegungen. Und gerade dadurch wird das ausgeprägte Formbewusstsein von Killisch noch deutlicher erkennbar. So ist dieses polyphone Geflecht formaler, ikonografischer aber auch historischer Querverweise nur einer von vielen Bestandteilen dieser großartigen visuellen Kommunikation, die eine geheimnisvolle und Fragen geradezu provozierende Verbindung zur Welt des 21. Jahrhunderts herstellt.

1 Heinrich Klotz: Die Neuen Wilden in Berlin, Stuttgart 1984, S. 9
2 Charles Jencks. Zit. Nach Stephan Schmidt- Wulffen: Spielregeln, Tendenzen der Gegenwartskunst, Köln 1987, S. 28
3 Klaus Killisch in einem Brief an die Autorin vom 14. Oktober 2008